“Spencer Shay
y Banksy: Referentes del Arte Actual”
Ensayo sobre
el libro
“El arte en
estado gaseoso” de Yves Michaud
Felipe Ortiz
Ugalde
Narrativa
Gráfica.
Mercedes Sierra
Kehoe
Introducción.
“Democratizar el acceso a la Educación Artística ha de constituir una
finalidad inalienable de los esfuerzos actuales que despliegan los sistemas
educativos, para que su influencia alcance a la totalidad del universo escolar y
lo sitúe en condiciones de influir creativamente en el futuro de sus pueblos.”
-Oficina Regional de Cultura para América
Latina y el Caribe de la UNESCO[1]
Sin duda vivimos en un mundo donde el arte y las industrias de producción
de bienes culturales se han democratizado. Nunca antes en la historia de la humanidad, el ser humano
había tenido acceso a tanta información, ni a tantos recursos materiales y
técnicos; ni mucho menos la sorprendente capacidad de la telepresencia para enterarse de lo que otros humanos hacen al otro
lado del mundo.
Semejante
pléyade de recursos debería hacer de estos tiempos la edad dorada de la
producción artística y cultural.
Yves Michaud
señala en su ensayo El Arte en estado
Gaseoso (2007) que irónicamente, el arte se encuentra en una situación de éter estético[2]
consecuencia de éste desarrollo desmedido. Al poder acceder a tantas formas de crear belleza, nos hemos
creado la obligación de aplicarla en todas las cosas, como si tratáramos de
erradicar toda la fealdad de la faz de la tierra; esto ha llevado a que lo
estético sea más grande incluso que la idea de el Arte; lo que ha hecho que el
arte sea como un cuerpo gaseoso que se expande en todas direcciones pero poco
denso. Podemos decir
coloquialmente que el arte actual abarca
mucho y aprieta poco.
El objetivo de
éste trabajo será ejemplificar lo que propone Michaud a través de dos casos. El primer caso es un personaje producto
de las industrias culturales; Spencer
Shay, un personaje ficticio de un popular programa de televisión llamado iCarly, que es un artista visual y del que analizaremos algo de su “obra
artística”.
Como segundo
ejemplo, tenemos a Banksy, uno de los artistas contemporáneos más celebrados, y
cuya obra nos permitirá apreciar el estado de la cuestión que propone Yves
Michaud.
El caso Spencer Shay.
Como primer ejemplo hablaremos del hipotético caso de Spencer Shay. En el
programa de televisión para niños iCarly,
Spencer Shay es un artista visual de Seattle, que ha creado obras escultóricas
como la siguiente:
Una taza de café
tan grande que se pueda nadar en ella; cuya finalidad es la relajación. Podemos ver una referencia nada discreta
a la compañía Starbucks. Esta
supuesta obra de arte, aparentemente ingenua e inofensiva muestra claramente
como el mundo se ha plagado de elementos estéticos y autorreferencias.
Para hablar del
triunfo de la estética sobre el arte, Michaud nos habla primero sobre la
desaparición de las grandes obras de Arte frente a los productos cada vez mas
estéticos que rodean nuestra cotidianeidad. Tanto así que incluso los programas para niños necesitan una
dosis de “arte”.
Seguramente
sonará atroz y descabellado comparar una supuesta obra de arte de un programa
para niños con obras como Fuente (1917)
de Marcel Duchamp o las 32 impresiones de la serie Latas de sopa Campbell´s (1962)
de Andy Warhol. Pero precisamente
el triunfo de la estética que menciona Michaud proviene del uso que Duchamp
hizo de un urinal como obra de Arte, en un claro desafío a los museos de su
época; para explicar éste fenómeno tenemos a Harold Rosenberg quien en 1972
habló de la desestetización y desdefinición del arte[3]
basado en la comparación de la obra de Marcel Duchamp, quien fue el responsable
de los Ready-made, o aquellos objetos
ya fabricados pero que han sido resignificados. En el caso de la taza de café gigante, es retomar un objeto
cotidiano y atribuirle un valor artístico
Cuando Andy
Warhol se valió de las artes gráficas como la serigrafía para hacer series de
sus obras; acabó con lo que Walter Benjamin refiere en su ensayo La obra de Arte en la época de la
reproductibilidad mecánica como el aura
(el aquí y el ahora de la obra artística)[4]. La referencia claramente podemos verla
en la alusión a la marca Starbucks.
Además, Michaud
nos plantea un panorama donde el Hedonismo es un componente vital en la obra
artística. El hecho de que ésta
obra de arte ficticia tenga como único fin la relajación, pone de manifiesto el
Hedonismo en la Estética y en el Arte. Este Hedonismo en la creación artística
resulta en una valoración mayor del placer de la experiencia, que el contenido
de la experiencia misma[5].
El caso Banksy.
Hablar del arte contemporáneo, es hablar de éste misterioso ex tagger[6],
ahora artista callejero llamado
Banksy. En un caso muy parecido a Marcel Duchamp con su obra Fuente[7];
Banksy ha irrumpido en diferentes museos, como el Museo de Arte Moderno de
Nueva York, con obras como ésta:
Con éste artista
veremos múltiples ejemplos del triunfo e Imperio de la estética. Uno de los más notables ha sido la
postura “anti-arte” y anti-capitalista de Banksy, el cual paradójicamente se ha vuelto una
escuela para otros artistas callejeros; pese a que se sabe ha trabajado para
grandes corporaciones como Puma y MTV.
Su trabajo de intervención de espacios; nos remite inmediatamente a cómo
el artista se ha salido de los museos y éstos a su vez han perdido su papel de
recinto para la obra áurica para convertirse en un museo a la medida de cada
necesidad estética. Incluso
podemos hablar de los museos como destinos turísticos destinados a satisfacer
el Hedonismo de los visitantes. (Michaud:p155)
La crisis del
arte es tal, que a éstas obras planeadas para ser un anti-arte efímero y
perecedero” se les puede llegar a cotizar en miles de dólares, e incluso se ha
llegado de decir que ¡merecen la protección de las autoridades![8]
De hecho Banksy
es un ejemplo perfecto entre el híbrido Artista-productor de medios culturales.
Conclusión.
“Ahí está Jimmy Page, el más grande ladrón
de música negra americana que jamás haya pisado la tierra.”
-Homero
Simpson
Para concluir con este breve acercamiento a la obra de Yves Michaud,
quiero dejar como ejemplo una anécdota de una de las obras más emblemáticas del
imperio de la estética. En un
episodio de la popular serie de televisión Los Simpson, Homero busca a sus hijos
desde el famoso Ojo de Londres, y es cuando al observar los alrededores dispara
la frase con la que inicia éste apartado.
Semejante afirmación podría parecer una crítica feroz y una denuncia contundente[9].
Pero ¿qué diferencia tiene un
episodio de Los Simpson, donde la tónica del programa es llenar de referencias
al espectador de marcas, artistas o instituciones con el arte actual? Al
parecer ninguna.
Cuando Walter
Benjamin hizo su ensayo La obra de Arte
en la época de la reproductibilidad mecánica, y comenzó a ver un arte de
masas, veía en el cine la esperanza de una politización libertadora, sólo que
nunca se encontró con la televisión, ni con la idea de una “masa solitaria”. [10]
Finalmente, Yves
Michaud sentencia que seguimos necesitados de la experiencia, y necesitamos el
Aura; aunque ésta experiencia esté empobrecida, y el Aura sea reproducible y
hecha a medida del mercado. El
posmodernismo terminó antes de los años 90, pero nos sigue recordando que ya
sea crítica, elogio, adoración, parodia, o simplemente “un arte como destino
turístico” para llamar la atención de un espectador; como dice Feyerabend Todo
se vale (Anything goes) en el
imperio de la estética.
Michaud, Yves. El Arte en estado Gaseoso. Fondo de
Cultura Económica. México. 2007.
Benjamin, Walter. La
obra de Arte en la época de la reproductibilidad mecánica. Ed. Taurus,
Madrid 1973.
[1]Documento
conceptual de la Conferencia Regional de América Latina y el Caribe Latino,
preparatoria de la Cumbre Mundial de Educación Artística. Bogotá. Junio de
2005.http://portal.unesco.org/culture/es/files/32029/11593662505ad1Conceptual.pdf/ad1Conceptual.pdf
[2]
“Es como si a mas belleza menos obra de
arte, o como si al escasear el arte, lo artístico se expandiera y lo coloreara
todo, pasando de cierta manera al estado de gas o de vapor y cubriera todas las
cosas como si fuera vaho.”(Michaud,2007:10-11)
[3]
Ídem.
[4]
“Resumiendo todas estas deficiencias en
el concepto de aura, podremos decir: en la época de la reproducción técnica de
la obra de arte lo que se atrofia es el aura de ésta. El proceso es sintomático; su significación señala por
encima del ámbito artístico. Conforme a una formulación general: la técnica reproductiva
desvincula lo reproducido del ámbito de la tradición. Al multiplicar las
reproducciones pone su presencia masiva en lugar de una presencia irrepetible.”
(Benjamin:1936)
[5] Michaud:145.
[6]
Tagger es la expresión más baja del graffiti. Se trata de hacer firmas rápidas o Tags Tagger también se refiere a los marcadores con los que se
hacen las firmas. http://www.taringa.net/posts/arte/8525429/Graffiti_-de-New-York-para-el-mundo.html
[7]
“Fuente es un objeto particular escogido
para pasar (y desafiar) el test de
participación en una exposición de la Society of Independent Artists”
(Michaud:45)
[8]
http://www.abc.es/20100427/cultura-arte/banksy-201004271126.html
[9]
Jimmy Page fue demandado en 1985 por la hija del músico Willie Dixon por la
autoría de la canción Whole lotta love,
la cual fue tomada de la canción You need
love. http://www.subnoise.es/articulos/desmitificando-a-led-zeppelin/
[10] p106.
No hay comentarios:
Publicar un comentario